2026臺北藝術節：王世偉《我是風》

「我那時候不想」 「我就是這樣做了」 「你就只是這樣做了」 「我就這樣做了」 那是霧氣尚未散盡的清晨，也或是永夜將至的黃昏。迷失、漂流的兩個人，他們透過對話了解對方，但彼此交錯的語言像是被情感融化的冰，墜入人生的汪洋。 《我是風》沒有高潮迭起的情節，角色的對話甚至顯得疏離且克制，但它直面存在的意義——畢竟，有什麼比「活著」此一真實的境況更為嚴峻的試煉？《我是風》由挪威作家庸．佛瑟（Jon Fosse）所創作，這位2023年的諾貝爾文學獎得主被譽為「21世紀的貝克特」，他關注那些語言無法表達的事物，開啟觀者對「無法言喻」的感知體驗。 《紐約時報》評價《我是風》時，寫道：「它捕捉了一種關於身分認同、骨子裡最純粹的焦慮」；《獨立報》在這部劇作看到了「令人窒息的美」，被劇評稱作「所見過最偉大的劇場之一」，而《每日電訊報》的評價則更接近普羅大眾的心聲：「觀看這部戲時儘管痛苦，但第二天醒來發現它仍在腦海中盤旋，如同《綠野仙蹤》裡的龍捲風。」 唯有書寫才能道出生命最重要的無法言喻 「語言在某些極端境遇下是失靈的，唯有沉默才能傳遞靈魂的顫動」，佛瑟始終如此相信。 2007年佛瑟動筆完成《我是風》（Eg er vinden）後，因長期創作帶來的身心耗竭，決定暫別劇本創作。直到十多年後，才以更為精鍊的詩意文字重回劇場。《我是風》在結構上幾乎背離傳統戲劇設定下的種種框架：沒有背景故事、沒有明確的衝突、動機，甚至抽空了角色的社會屬性。 對佛瑟來說，字句的音樂性、寂靜的力量以及停頓的重量，遠比實際的情節或角色塑造更為重要。他的作品描繪的是等待，是那種導向解決現實與渴望之間衝突的痛苦。在近乎什麼都沒有的無邊無際之中，「停頓」與「沉默」變得巨大，佛瑟要人們聽見這種無聲、看見這種留白——在這令人狂喜、又或心生恐懼的「空白」之中，他反覆探測生與死、孤獨與神性的邊界。 臺灣觀眾長期與佛瑟擦肩而過。他以「新挪威語」（Nynorsk）進行創作，此一選擇並不只是他堅持用母語創作，更是一種出於政治與美學信仰的行動。「新挪威語」脫離了鄰國強權的文化影響，重拾被遺忘的大眾方言，保留了本地粗礪而富生命力的音樂性節奏。 情節推進或戲劇衝突不是佛瑟創作的核心關懷。他相信，在極度節制、簡約的語言之中，存在於人類靈魂深處、難以言喻的體會與感受才有機會獲得釋放。透過停頓、沉默、語句的重複與節奏性的循環，他建造出近似音樂或宗教性的感知經驗，使觀眾一步步深入「震耳欲聾的寧靜」以及「詩意美學的秘境」。 拆掉劇場的牆：只為了去…… 「文本是地圖，但旅行一直看著地圖，是看不到風景的。」 導演王世偉信奉「放下地圖/文本」的創作哲學，與佛瑟欲跳脫語義的束縛，追求「極致感官的絕對性」的美學不謀而合。 當前，我們共同面對一個話語激增卻逐漸失效的時代。「沉默無聲」可能令人感到不知所措，但也可能營造出深刻的感受：「如何面對存在之重」的命題，終於浮現在我們眼前，充滿無法迴避的迫切性。也正是此時，《我是風》首演近20年之後，仍具有歷久不衰的當代價值。王世偉結合跨領域的藝術家，重新思考劇場的觀看與感知關係，使觀眾不僅是理解一個故事，更能深入一種交融身體性、時間性的感官體驗。 空間重構是必要的關鍵。打破讓觀眾躲在暗處旁觀一切的傳統鏡框舞台，王世偉與舞台設計陳冠霖將「藍盒子」建構成一個「海洋劇場」，讓觀眾散落在劇場不同區塊，成為漂流在人生汪洋之中的芸芸眾生。 《我是風》的視覺也邀請觀眾融入不同以往的觀演體驗：燈光設計高一華將從命運迷航的幽暗，顯現人性的光輝；服裝品牌PROJECTbyH.則透過材質，塑造出身在人世的輕盈與重量；聲音藝術家林育德讓我們從城市的喧囂中解脫，尋找撼動靈魂的寂靜；編舞家田孝慈則透過姿態與移動，凸顯出肉身實體的在場。 在台灣當代實驗劇場的語境下，王世偉反覆思考何為劇場的「觀看」：「當觀眾與表演者近在咫尺，你必須自己決定觀看的視角，此時你就不再是傳統定義下的觀眾，而是一個身臨其境的參與者。同時，我想挑戰的是：能不能創造一種具有空間感的關係，讓人不覺得尷尬的空白，感受到平等、在（現）場的連結。」 莫子儀與林子恆 誰能自由翱翔乘風，而不被海洋淹沒？演繹《我是風》，需要接納生命的殘缺、包容人性真實的無窮力量。 「莫子儀與林子恆的共同參與，具備了強烈的時代性。在臺灣劇場面臨後疫情時代的沉思期，這兩位中生代領袖級演員的聯手，象徵著臺灣劇場人對於『藝術深度』的重新追索。他們不再滿足於華麗的包裝或議題的申論，而是選擇與佛瑟一起進入那種『荒涼的存在困境』，並在那裡尋找平靜。」 莫子儀與林子恆，在王世偉眼中具備強烈的「信仰能量」，他們也是台灣當代劇場追求表演純粹本質的兩位重量級演員。莫子儀身上有著一種「內斂、流動、碎裂」的質地，他非常擅長處理徘徊於靈魂邊界的壓抑感受；而林子恆則代表了「精準、知性、穩定」的力量。他們兩人互為鏡像，拋棄了角色的扮演，只需要「在場」，透過呼吸及感性的交流，即能在舞台空間之中建構了一個不穩定、卻無比真實的生命場景。 當風吹撫你的心 資訊爆炸的當代社會，我們很少有機會真正「靜下來」，好好面對孤單的自己，甚至有可能，每個人透過語言、影像抗拒存在的孤獨。但佛瑟帶領我們深入孤寂的核心，正是為了在爭鳴且碎裂的世界之中，尋找一個可以安放靈魂、與神性和自然對話的空間。 《我是風》營造出一個安然的所在。當你我四散在人生的汪洋、鄰近身在人世、無所遁形的幽微，當他人的在場和呼吸滲進我們感知的當下，我們其實都在練習傾聽——聽見語言之外的生命節奏、傾聽彼此的存在、傾聽足以慰藉靈魂的生命之風。 如果在某個瞬間發現了，沉默的巨大其實不足以令人心生畏懼，也許就能找回自己靈魂深處的激盪回聲。 【藝術家介紹】 王世偉 畢業於國立臺北藝術大學，後赴法國鑽研劇場美學，以實務者的角度參與、解讀、分析、研究表演藝術。 創作歷程涵蓋實踐與研究，持續探索嶄新形式與當代議題。2020年，以《群眾》獲得第18屆台新藝術獎「表演藝術獎」。導演作品如《爭》、《壵》、《虛擬日常》，透過實驗性美學突破形式框架，挑戰當代社會的權力結構。近年來，也積極拓展跨域合作，以戲劇構作的身份深化表演藝術語言的多元可能。 莫子儀 1981年出生，國立台北藝術大學戲劇學系畢業。1996年開始投入戲劇表演工作，演出作品涵蓋電視、電影、舞台劇，曾數次獲得金鐘獎男主角獎、男配角獎之提名肯定。2013年演出澳洲導演亞倫威爾森 (Aaron Wilson) 首部劇情長片《空降失落叢林》，入選多項國際影展；2017年出版個人創作集《失眠的人》，並以該文本改編為舞台劇《失眠的人 - 莫子儀 x 黃裕翔 ‧ 音樂劇場》；2018年跨足參與編劇《台北歌手》，獲頒金鐘獎戲劇節目編劇獎；2020年以電影《親愛的房客》榮獲金馬獎、台北電影獎最佳男主角。   林子恆 英國艾賽特大學舞臺實踐藝術碩士，國立臺灣大學戲劇學系畢業，以演員及表演教師身份於臺灣劇場藝術深耕多年。其表演風格深受菲利普．薩睿立教授（Phillip B. Zarrilli）所倡之身心合一表演方法影響，同時結合希臘阿提斯劇院的 The Return of Dionysus 訓練系統。 喜愛與多方團隊合作演出，作品內容多樣，涵蓋戲劇、舞蹈、歌唱等不同領域。期許自身以表演者作為載體，持續探究劇場藝術與現代社會對話的可能性。 高一華 臺灣大學外文系畢業，美國Carnegie Mellon University MFA，現專職劇場與展覽燈光設計，致力於劇場、燈光相關之設計與教學。燈光設計作品百餘件，涵蓋現代戲劇、傳統戲曲、音樂劇、親子兒童劇、舞蹈、音樂會、演唱會等表演藝術類型以及博物館展覽。 2013年於英國以周先生與舞者們《重演》獲選World Stage Design燈光設計銀獎；2016年出版劇場燈光技術專書《At Full：劇場燈光純技術》，並於2023年修訂再版。為促進劇場設計交流與研討，2021年正式發起成立《好好做設計聯盟》。   林育德 交通大學聲音音樂科技碩士學位學程畢業。擔任劇場、舞蹈、影像配樂，合作對象包括窮劇場、台南人劇團、柳春春劇社等；並為田孝慈舞蹈作品《洞》音樂設計，隨團參加2017亞維儂OFF藝術節、2018深圳當代戲劇雙年展；與鋼琴家李世揚合作、張婷婷獨立製作《抽屜三》、許雅婷《The River》配樂，擔任錄音、聲響設計。   田孝慈 1984年生，畢業於國立臺灣藝術大學舞蹈系研究所，現為自由藝術工作者，從事創作、演出與教學。近年關注時代、歷史、文化與環境如何形塑個體情感，並以身體作為媒介，回應臺灣當代社會的混沌與無根狀態，視編創為一把鑿子，探索恐懼與慾望的出口。 與王世偉、李慈湄、Helmi Fita 共同創作之作品《群眾》，曾獲台新藝術獎表演藝術大獎。創作亦獲文化部、國藝會、雲門舞集「創計畫」與羅曼菲獎助金支持，並曾赴巴黎、澳洲、瑞士等地參與國際駐村與交流計畫。長期與國內外舞蹈、劇場、音樂及視覺藝術家合作，作品曾於多個藝術節發表,足跡遍及歐洲、亞洲與美洲等地。 主要編創作品：《SUPER》、《R》、《與清醒夢》、《Re: 在那些消逝的時間裡》、《在那些消逝的時間裡》、《一些事情的切片與人相關》、《清醒夢》、 《洞》、《她們在眼睛角落挖了一個洞》、《莖》、《旅人》、《 》等。   陳冠霖 從事燈光、舞臺與整體空間設計，參與戲劇、舞蹈、音樂等領域，風格依作品調性而產生不同的樣貌，試圖透過材質的選擇、透過光線與空間樣不同樣態，展現作品的多種可能性。 近期合作團隊包括四把椅子劇團、微光製造、窮劇場、田孝慈、陳煜典等不同風格與領域的創作者，近期作品有四把椅子劇團的《太陽》、陳煜典X范承宗《脫殼》、微光製造《人之島》、窮劇場《感謝公主》等，同時也與不同藝術家共創劇場作品或展覽，如與賴奇霞共創之《.Trace》、發條鼻子《RRRR》等。   PROJECTbyH. PROJECTbyH. 是一個以服裝作為媒介，提倡和宣導「有意識地選擇，並在選擇種探索本質」的計劃。品牌著重於無性別版型、工藝美學和天然原料的選擇，致力於推廣服飾工藝文化與職人精神。品牌於 2013 年在紐約創立,並於 2017 年在台灣設立工作室，拒絕使用任何合成材料，堅持純手工製作。不委外、不發包工廠,從裁切、縫製到完成品，一針一線都是在自家工作室精心製作完成，使其成為一個完全獨立製作的台灣設計師服裝品牌。   【演職人員名單】 導演｜王世偉 演出｜莫子儀、林子恆 燈光設計｜高一華 聲音設計｜林育德 動作設計｜田孝慈 空間設計｜陳冠霖 服裝設計｜PROJECTbyH. 舞台監督｜鄧湘庭 影像紀錄｜陳祺欣 製作統籌｜製作循環工作室   共同主辦：臺北市政府、臺北表演藝術中心 "I didn't want to then." "I just did it." "You just did it." "I just did it." “Gut-level anxiety and elemental questions of identity.” – The New York Times “Breathtakingly beautiful.” – The Independent “Like the twister in The Wizard of Oz.” – The Daily Telegraph It was a misty dawn before the fog had cleared, or perhaps the dusk just before eternal night. Two drifting souls seek to understand each other through conversation, yet their intersecting words plunge into the bottomless ocean of life. I Am the Wind has no thrilling, climactic plot; the characters' dialogue even feels detached and restrained. Yet, it directly confronts the meaning of existence: what could be more daunting than the challenges life itself brings? Written by Norwegian author Jon Fosse, hailed as "the Beckett of the 21st century" and the 2023 Nobel Laureate in Literature, I Am the Wind focuses on the things inexpressible, opening the audience's senses to experience the ineffable. WRITING THE UNSPEAKABLE  Fosse has always believed that language fails in certain extreme situations, and that “only silence can convey the trembling of the soul." After completing I Am the Wind (Eg er vinden) in 2007, he took a 15-year hiatus from playwriting due to the physical and mental exhaustion and alcohol dependence caused by long-term creative work, before eventually returning to the theater with an even more refined, poetic language. Structurally, I Am the Wind virtually abandons the frameworks of traditional theater: there is no backstory, no clear conflict or motivation, not even social attributes for the characters. For Fosse, the musicality of words, the power of silence, and the weight of pauses are far more important than actual plot or character development. His work depicts waiting as an agony that leads toward resolving the conflict between reality and desire. In this boundless expanse of nearly nothingness, "pauses" and "silence" become immense. Fosse wants people to hear this soundlessness and witness this negative space. Within this ecstatic,nyn or perhaps terrifying "blankness," he repeatedly probes the boundaries between life and death, loneliness and divinity. Taiwanese audiences have long crossed paths with Fosse, who insists on writing in "Nynorsk" (New Norwegian). This choice, not merely an insistence on creating in his mother tongue, is an action born of political and aesthetic beliefs. Nynorsk breaks away from the cultural influence of neighboring powers, reclaiming forgotten local dialects and preserving the raw, vital musical rhythm of the region. Plot advancement and dramatic conflict are not the core concerns of Fosse's creations. He believes that only through minimalist, highly restrained language can our deepest, unspeakable feelings truly be released. Through pauses, silences, the repetition of phrases, and rhythmic cycles, he constructs a sensory experience akin to music or religious rapture, leading the audience into a deafening tranquility and a cryptic realm of poetic aesthetics. TEARING DOWN THE THEATER WALLS "The text is a map, but if you spend the whole journey staring at the map, you will miss the scenery." Director WANG Shih-Wei subscribes to the creative philosophy of "putting down the map," which highly aligns with Fosse's desire to break free from the constraints of semantics and pursue the "absolute sensory experience." Today, humans collectively face an era where words proliferate yet gradually lose their efficacy. Within the overwhelming weight of silence, a profound truth emerges: we can no longer escape the urgent necessity of facing our own existence. It is precisely at this moment, nearly two decades after its premiere, that I Am the Wind retains its enduring value. Collaborating across disciplines, Wang thus reframes theater from mere storytelling into an immersive sensory experience of time and bodily perception. For him, spatial reconstruction is key. Breaking away from the traditional proscenium stage, which allows the audience to hide in the dark and watch from the sidelines, Wang transforms the TPAC’s Blue Box into an "Ocean Theater." Audiences scatter across different sections of the venue, becoming one with the multitudes drifting in the vast ocean of life. The visual design of I Am the Wind leverages cross-disciplinary collaboration to create an unprecedented immersive experience. Within this space, lighting designer I-hua Kao reveals human radiance emerging from fateful darkness, while clothing brand PROJECTbyH. uses tactile fabrics to ground the lightness and weight of existence. Simultaneously, sound artist Yu-de Lin cuts through urban clamor to uncover a profound silence, as choreographer Tien Hsiao-tzu Tien uses deliberate movement to underscore the raw presence of the flesh. Within the context of Taiwan's contemporary experimental theater, Wang repeatedly ponders the nature of "viewing" in the theater: "With the audience and performer in proximity, you must define your own perspective. You are no longer an audience in the traditional sense, but an active participant immersed within. Simultaneously, the challenge I want to undertake is creating a space of unawkward blankness; one that fosters equality, presence, and immediate on-site connection." THE ACTORS: MORNING MO AND ZI-HENG LIN Who can soar freely upon the wind without being swallowed by the ocean? Performing I Am the Wind requires accepting life's imperfections and embracing the boundless power of human truth, as Wang put: "The joint participation of Mo and Lin carries a strong sense of contemporaneity. During the contemplative period of Taiwan's theater in the post-pandemic era, the collaboration between these two leading mid-generation actors symbolizes a renewed pursuit of 'artistic depth' by Taiwanese theater practitioners. No longer satisfied with glamorous packaging or issue-driven debates, they choose to enter a desolate existential predicament alongside Fosse, seeking peace within the play." In Wang's eyes, Mo and Lin possess an intense energy of faith. While Mo exudes a texture that is "introverted, fluid, and fragmented," excelling at handling the repressed emotions lingering at the boundaries of the soul, Lin, on the other hand, represents the power of precision, intellect, and stability. Mirroring each other, they abandon acting to simply 'be.' Their breathing and emotional exchange construct a volatile yet profoundly real landscape of life within the space. LET THE WIND CARESS In an information-saturated society, we rarely quiet down to confront our solitude; instead, we weaponize words and images to resist existential loneliness. Fosse, however, pulls us into the core of seclusion to carve out a space within a clamorous, fragmented world; a sanctuary where the soul can rest and commune with nature and the divine. As we drift across the vast ocean of life, hovering near the inescapable darkness of human existence, the presence and breath of others seep into our awareness. In this space of refuge created by I Am the Wind, we can all learn to listen—to the rhythms of life beyond language, to each other's existence, and to the soothing wind of the soul.  If we can realize, even for a moment, that the immense silence is nothing to fear, we might just reclaim the profound echoes buried deep within our own souls.